El cineasta se esmera, con la maestría de su factura, en demostrar el valor de Chávez desde una mirada complaciente y benévola que sorprende, pero sólo puede entenderse al tener en cuenta que conoció una cara de Venezuela de la mano, precisamente, de Chávez y su comitiva. Como espectadora, no pido a Stone que siga lecciones puristas del género documental, pero es una lástima que no haya tenido ocasión de ver y mostrarnos las dos caras de la moneda. Se insiste en la tan valorada postura anti-imperialista de Chávez, ratificada por seis mandatarios de la región, ya que sólo él ha plantado cara a Washington y al FMI. Sin embargo, desde su triunfo Venezuela ha subido del número 17 al 5, en la lista de socios comerciales de EEUU; lo que hace pensar en la coherencia de la postura mediática del personaje. Stone afirma que éste ha dado un «cambio fantástico» a su país, ilustrando con imágenes de las misiones bolivarianas y con datos que, lamentablemente, no han sido contrastados con fuentes internacionales. Esa única realidad que vio Stone necesariamente se queda corta y en esa lectura oblicua se genera mi crítica, ante la ligereza del tratamiento de ciertos datos.

Si bien es cierto que Chávez ha sido ratificado como presidente, F. Fukuyama decía: «La legitimidad no es la justicia o el derecho en sentido absoluto; es un concepto que existe en las percepciones subjetivas de la gente» (1), y muestra de ello son los miles de opositores que Stone no conoció. Cuando un país de 28 millones de habitantes registra 13.000 muertes anuales por delincuencia, la libertad de expresión es cercenada constantemente, el gobierno amenaza la propiedad privada, la pobreza sube 20 puntos o se vive con la escasez de alimentos básicos, me parece imposible pensar en cambios “fantásticos”. Sin duda Sr. Stone, su documental se acerca al análisis de M. Foucault sobre R. Magritte al observar que en el trabajo del pintor: «…la esencia de la retórica radica en la alegoría»( 2), en decir algo que representa o significa otra cosa diferente. Nadie pone en duda que Chávez es un fenómeno, pero lo es también por su megalomanía sin precedentes y su carácter demagógico, del que tampoco da cuenta este documental.

(1)  Fukuyama, Francis. El fin de la historia y el último hombre. 4ª reimpresión. Editorial Planeta. Barcelona, 1994, pp. 44.

(2)  Foucault, Michel. Esto no es una pipa. Ensayo sobre Magritte. 5ª Edición, colección ‘Argumentos’. Editorial Anagrama. Barcelona, 1999, pp. 34.

Publicado en: Artecontexto.com. Septiembre, 2009.

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El ARTIUM de Vitoria da muestra de las reflexiones del artista a través de dos piezas completamente diferentes que atienden asuntos geográfica y temporalmente lejanos. En la exposición “Oscura es la habitación donde dormimos”, Torres pone de relieve el tratamiento injusto que el tiempo otorga a las víctimas de guerra frente a sus victimarios y cuestiona el desplazamiento que sufre la memoria histórica en un presente que siempre está determinado por ella.

La instalación Memorial (1992), recrea un salón doméstico con una televisión encendida, un armario con objetos decorativos y libros que hablan de una familia progresista. En el lado opuesto, puede verse el vídeo de un pozo petrolero kuwaití ardiendo, que hace de fondo a un conjunto de fusiles clavados al suelo y coronados con sombreros que estereotipan la diversidad de una ciudadanía. Como se recordará, millones de hogares fueron testigos impasibles de la primera guerra televisada de la historia, la del Golfo, la cual perdió su valor gracias al desgaste generado por la visualización reiterada de las imágenes. Torres quiere recordar con este monumento conmemorativo lo que fue esta gran ofensiva terrestre y cómo ha quedado relegada en la consciencia colectiva, a pesar de sus implicaciones históricas y las muertes que sumó. El sentido de esta pieza se une a la que da nombre a la exposición, con título homónimo, donde se documenta la recuperación de los restos de un fusilamiento de la Guerra Civil Española. Torres reflexiona sobre la incertidumbre, la impotencia, la necesidad de justicia y del recuerdo digno para todas las víctimas. Oscura es la habitación donde dormimos (2004) muestra el desenterramiento de 46 osamentas en Villamayor de los Montes (Burgos). Unas 29 fotografías y un reloj, que probablemente siguió funcionando alrededor de aquellos a quienes precisamente les detuvieron su tiempo, ilustran el trabajo que arqueólogos, médicos forenses y antropólogos realizaron durante las excavaciones de dos fosas comunes. De estos 46 varones de diversas edades pudo conocerse, por ejemplo, que más de la mitad fueron asesinados con un disparo en la cabeza. Buena parte de las imágenes, en gran formato, manifiestan de forma inevitable y gracias a su contundencia visual, la naturaleza de aquel suceso de 1936, que Torres atrapa en un pedazo de zapato, en un peine o directamente en los cráneos disparados. La muestra aumenta su emotividad con las fotografías finales, donde algunos familiares dan sepultura a sus muertos 68 años después de aquel suceso.

La combinación que logra Torres de la fotografía documental, con su sutil mirada artística y el sentido crítico que imprime a las imágenes, estimulan una profunda reflexión en torno a la necesidad de desocultar el pasado en favor de la justicia, de buscar un recuerdo digno para aquellos protagonistas anónimos de la historia y recuerdan la trascendencia del valor de la memoria para entender lo que somos en el presente.

ARTECONTEXTO. Arte, cultura, nuevos medios. Madrid, Nº 22 / 2009 / 3, pp. 114-115.

“Reality Revisited. Photography from the Moderna Museet Collection” presenta, primordialmente, fotógrafos de Estados Unidos y Suecia, además del resto de Europa e incluso de Latinoamérica. Resaltan de forma particular varios representantes de Europa del Este, de Europa Oriental y de los países bálticos y escandinavos. En estos dos últimos casos, la exposición se configura como una recuperación y una demostración del trabajo de creadores provenientes de geografías que han permanecido prácticamente sin ninguna visibilidad en el contexto artístico internacional, pero que cuentan con una gran calidad artística. Entre las propuestas exhibidas merecen especial atención la del finlandés Denise Grünstei, los lituanos Romualdas Rakauskas y Antanas Sutkus, el noruego Tom Sandberg, el estonio Rein Välme, el ruso Walter Hirsch y el checo Josef Koudelka. Todos, expresan diferencias importantes en sus estéticas y realidades captadas, y hacen insalvables la reflexión en torno a las implicaciones sociales y políticas vividas entonces. Elocuencia, lirismo, crudeza, conceptualismo, sencillez e incluso el personalismo de muchas instantáneas mostradas colocan al espectador frente a una época lejana a la actual pero a su vez muy cercana, que permite trazar puentes entre las preocupaciones y problemas que en cierta medida siguen aconteciendo hoy; pero que en aquellos años sirvieron de estímulo esencial, entre otros, para la expansión de la fotografía documental.

Hans Alenius, Christer Strömholm, Yngve Baum, Ann Christine Eek, Monika Englund, Eva Klasson, Jenss S. Jenser, Björn Myrman, Anders Peterson y Odd Uhrbom representan, probablemente, las propuestas suecas más interesantes de la muestra. Cada uno de ellas contribuye positivamente a engrosar la revisión de realidades que dan argumento a la exposición, así como también, manifiestan la calidad del tratamiento documental producida en el país escandinavo. Frente a estos fotógrafos, pueden verse aportaciones insustituibles para el género como las de: Diane Arbus, Larry Clark, Manuel Álvarez-Bravo, Bill Brandt, Brassäi, Henri Cartier-Bresson, Ernest Cole, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Lee Friedlander, Graciela Iturbide, André Kertész, Duane Michals, Helmut Newton o Bill Owens, entre otros Y dentro del perfil desarrollado por la Colección de fotografía del Moderna Musset llama la atención el valor otorgado al trabajo femenino, del que se ofrecen piezas de Nan Goldin, Irina Ionesco, Graciela Iturbide, Lilo Raymond y Melissa Shook, además de las fotógrafas americanas y suecas ya mencionadas.

Otro aspecto que merece atención en la muestra es la iluminación, que con un nivel como pocas veces puede apreciarse en exposiciones de este formato, queda minimizada frente al abigarramiento espacial que se percibe en buena parte del recorrido. Con sus más de trescientas fotografías, el montaje se plantea como una aporía dentro de las salas, aunque en algunas áreas el recorrido es bastante fluido. Mas allá de esto, el trabajo de los fotógrafos seleccionados permite apreciar a plenitud las bondades del cada vez más olvidado formato analógico, del que es posible en “Reality Revised” disfrutar de forma profusa sus capacidades más sugerentes.

Publicado en:

ARTECONTEXTO. Arte, cultura, nuevos medios. Madrid, Nº 22 / 2009 / 3.

El uso hace Yass en sus fotografías del positivo y el negativo, la manipulación de la luz, la desaturación y la evanescencia, estimulan de forma muy especial la pérdida del sentido de la realidad pero siempre desde un carácter lírico. De esta manera, piezas como Nan pu o Huanghuayan pu West, ambas del 2006, parecieran constituir verdaderas recreaciones contemporáneas del Gran Canal que tantas veces pintó Canaletto en el siglo XVI. Sin embargo, esta visión idílica se sostiene poco tiempo al enfrentarnos inmediatamente después con la clarificación de la imagen de un no-lugar, de un espacio industrial y sombrío que tiene por escenario, en este caso, la presa de las Tres Gargantas del río Yang sté en Shangai. Sin duda, el trabajo de Yass se acerca a Gaston Bachelard en su reflexión sobre la dimensión del espacio el cual …“por su ‘inmensidad’, los dos espacios, el espacio de la intimidad y el espacio del mundo se hacen consonantes. Cuando se profundiza la gran soledad del hombre, las dos inmensidades se tocan, se confunden.” (1)

Otra exploración sobre las consecuencias psicológicas que deja en el individuo actual el enfrentamiento ante un entorno sobredimensionado en escala y avasallante en su concepto, queda ejemplificado en Gorge. Este film en 16 mm presenta, en loop, 44 segundos de una imagen completamente real, que parece más bien un momento indescifrable de ensoñación. Haciendo uso de referentes del cine experimental, carente de trama y personajes, Yass potencia el sentido de un discurso que reitera la naturaleza de su pura visualidad: la imagen de un paisaje. Éste, girado en 180 grados, produce una confusión momentánea sobre lo que se está viendo, un río con una barca en tenue navegar, y atrapa al espectador en la insinuación del movimiento de un objeto en el transcurrir de un tiempo impreciso, que tras un rato, dilucidamos qué es. Precisamente éste es el norte de las obras ofrecidas en Afloat, donde se juega con la imprecisión y la contundencia visual de un espacio de poder para ser descifrado desde la transitoriedad calmada de nuestra lectura.

(1) Bachelard, Gaston. La poética del espacio. 3ra Reimpresión. Madrid, Fondo de Cultura Económica, 2000, pp. 241.

ARTECONTEXTO. Arte, cultura, nuevos medios. Madrid, Nº 22 / 2009 / 2, pp.  128-129.

Luc Tuymans, desde la mirada profesional:

Luc Tuymans, desde la mirada de un seguidor:

Cuatro artistas de diversas generaciones pero afines al argumento de la muestra, Pat Andrea (La Haya, 1942), Diango Hernández (Cuba, 1970), Jacobo Castellano (Jaén, 1976) y Geoff MacEwan (Edimburgo, 1943) tratan temas que constituyen aproximaciones plásticas a limerence reactions. Al entrar a la exposición nos recibe la única pieza de Hernández, En mi isla (2008), una inmensa aguatinta y punta seca de más de dos metros. En ella se presenta una pulsión conocida, aunque poco aceptada por la mayoría, que incita la supresión del Yo ante el amor por la patria y los ideales de un héroe, en este caso el Che. Dicha supresión, consecuencia de la tergiversación y la manipulación propagandística convierten, como es de esperarse, a un sistema y a unos conceptos políticos en opciones de incuestionable valor. La ampliación de un detalle de la famosa imagen de Alberto Korda, realizada en 1960, sirve a Hernández para confundir al espectador ante una obra que sugiere diferentes ideas visuales pero que estimula una contemplación lenta y distante.

En los tres fotograbados de Andrea, Headlines (2008), se establece un mecanismo de contemplación como el Hernández, donde el alejamiento deviene en la vía más idónea de aproximación, previo a la observación de los detalles de las imágenes. Los rostros, objetos de las pulsiones del artista, quedan sublimados aquí  con un carácter especialmente peculiar y atrayente que establecen una limerence reaction desde la pulsión sexual. La evocación de lo perverso y lo privado, propuesta a través de una estética cercana a la del graffiti, viene acompañada de la materialización de pensamientos y deseos expresados en palabras y líneas que intervienen estos sugerentes rostros.

Castellano aborda la pulsión emocional de la infancia desde una visión poética y lúgubre. El artista reconstruye en una serie de siete fotograbados, Resto V (2008), imágenes de objetos desvencijados y anodinos que hablan de la memoria de un tiempo pasado e idealizado. MacEwan, por su parte, convierte la temida fugacidad de la vida en la pulsión que motiva una serie de ocho piezas, Husks (2008), en la que la transformación que sufre la belleza por la transitoriedad, articula la contraposición de dos extremos: la vida y la muerte. La visión intimista domina el acercamiento a un asunto que por su planteamiento requiere, como en el caso de Castellano, una mirada sosegada ante estas imágenes delicadas.

Los trabajos seleccionados en “A Limerence Reaction” no solo se muestra el tratamiento otorgado a pulsiones que podrían llevarnos a una actitud compulsiva y obsesiva donde nuestro Yo queda anulado, también, plantean dos vías diferentes de contemplación, la distante y la cercana, que establecen en ambos casos una comunicación fuerte y directa con el espectador.

Publicado en:

ARTECONTEXTO. Arte, cultura, nuevos medios. Madrid, Nº 21 / 2009 / 1, pp. 132-133.

A través de estos tres videos podrás conocer la vida y obra de Nan Goldin (Washington, 1953), fotógrafa fascinada por documentar su entorno personal y mostrar la otra cara de la cultura norteamericana.

Visión general del trabajo de Nan Goldin:

Entrevista de Nan Goldin (parte I):

Entrevista de Nan Goldin (parte II):

El argumento de la muestra, definido por el comisario Javier Panera, se funda en dos referencias muy concretas: por una parte, el ensayo y el vídeo de Dan Graham, realizado en 1982 y con título homónimo al de la exposición. En ambos materiales, se establecen claras relaciones entre la religión y el rock desde una mirada que permite una fluida articulación con las artes visuales. Por otra parte, se ha hecho uso de las ideas del escritor norteamericano Greil Marcus, plasmadas en “Rastros de Carmín” (Anagrama, 1989).  El autor vincula de forma explícita el arte y la música con algunos movimientos socio-culturales que, particularmente, promulgaban el desprecio hacia la inconveniencia del quehacer político de entonces, la necesidad de rebelión y transgresión, y la incitación de la creación de carácter utópico. Las ideas de Marcus, permiten a Panera  establecer un corpus de manifestaciones musicales y visuales que poseen su origen en ideas básicas del situacionismo, e incluso, del dadaísmo y del surrealismo. Tales manifestaciones, redundan en la contemporaneidad del punk, eje a partir del cual se desgranan un amplio abanico de manifestaciones culturales que demuestran la importancia de la cultura musical durante los últimos cincuenta años.

Una cuidada selección de documentos, objetos y obras de músicos y artistas, de los que no es posible dar cuenta aquí, manifiestan de manera clara la pertinencia de las dos tesis que sirven de argumento a esta exposición. El impacto social de Elvis Presley; las relaciones entre el rock and roll y el desarrollo del pop art, éste y su relación con la música; las correspondencias entre el acontecer de los festivales y el arte psicodélico; los vínculos entre la estética glam de los músicos y la producción artística; las referencias directas a movimientos de vanguardia como vía de cuestionamiento social; los ejemplos del importante fenómeno No Wave, unido a las amplísimas incursiones de artistas plásticos en la música y de músicos en las artes visuales, son apenas algunas de las tantas líneas estudiadas en esta exposición que, sin duda, logra trazar una clara genealogía de los movimientos culturales donde ha existido un cruce entre lo musical y lo artístico.

Publicado en:

ARTECONTEXTO. Arte, cultura, nuevos medios. Madrid, Nº 20 / 2008 / 4, pp.  106-107.

“Rock my Religion”. DA2. Domus Artium 2002, Salamanca.

10.10.08 - 07.01.08